개념 미술
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1. 개요
개념 미술은 아이디어 또는 개념을 작품의 가장 중요한 요소로 여기는 미술 사조이다. 마르셀 뒤샹의 레디메이드 작품에서 시작되어, 1960년대 후반 조셉 코수스, 솔 르윗 등에 의해 이론적 기반이 마련되었다. 개념 미술은 작품의 물리적 형태보다 아이디어를 강조하며, 갤러리, 미술관 등 기존 예술 시스템에 대한 비판적인 시각을 담고 있다. 언어, 문서, 지침 등을 활용하여 작품을 제작하며, 형식주의, 상품화에 대한 반발로 등장했다. 주요 작가로는 뒤샹, 존 케이지, 조지 브레히트, 로렌스 위너 등이 있으며, 현대 미술에도 큰 영향을 미쳤다.
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| 개념 미술 | |
|---|---|
| 개요 | |
 | |
| 정의 | 개념 미술에서는 아이디어나 개념이 작품의 가장 중요한 측면이다. 작가가 개념적인 형태의 미술을 사용할 때, 이는 모든 계획과 결정이 사전에 이루어지고 실행은 형식적인 일이라는 것을 의미한다. 아이디어는 미술을 만드는 기계가 된다. |
| 다른 이름 | 아이디어 아트 |
| 특징 | |
| 핵심 | 아이디어가 작품 자체보다 우선 |
| 목적 | 전통적인 미적 가치에 대한 도전, 예술의 본질에 대한 질문 제기 |
| 표현 방식 | 다양한 매체 (텍스트, 사진, 비디오, 설치 등) |
| 예시 | 솔 르윗의 벽 드로잉, 마르셀 뒤샹의 레디메이드 |
| 역사 | |
| 시작 | 1960년대 |
| 주요 인물 | 솔 르윗 마르셀 뒤샹 요셉 코수스 로렌스 와이너 얀 디베츠 멜 보크너 로버트 배리 더글러스 휴블러 로버트 스미스슨 하케 월터 드 마리아 |
| 영향 | |
| 관련 운동 | 미니멀리즘 플럭서스 포스트미니멀리즘 |
| 현대 미술 | 현대 미술에 큰 영향 |
| 비판 | |
| 내용 | 지나치게 지적이고 난해하다는 비판 예술의 대중성을 저해한다는 비판 아이디어의 독창성 부족에 대한 비판 |
| 참고 문헌 | |
| 관련 서적 | 토니 고드프리, "개념 미술 (미술 & 아이디어)" |
| 외부 링크 | |
| 겐코 굴란의 아이디어 아트 정의 | 겐코 굴란의 아이디어 아트 정의 |
2. 역사
개념 미술은 1910년대 프랑스의 마르셀 뒤샹의 작업에서 그 기원을 찾을 수 있다.[52] 뒤샹은 기존의 회화나 조각이라는 형식에 맞지 않는 레디메이드 (기성품)라는 예술 형식을 제기했다.
1950년대에는 추상표현주의에 대한 반발로 미국에서 네오다다 운동이 일어나 뒤샹이 재평가되었다. 네오다다 예술가인 로버트 라우센버그는 빌렘 데 쿠닝에게 드로잉을 받아 정성껏 지워 『지워진 데 쿠닝의 드로잉』(1953년)을 제작했다. 팝 아트의 앤디 워홀도 『엠파이어』(1964년) 등의 개념적인 개인 영화 (실험 영화)를 제작・상영하여 화제가 되었다.
유럽에서의 선구자로는 이브 클랭과 피에로 만초니가 있다. 플럭서스의 활동은 개념 미술과 친근성을 보였으며, 오노 요코가 대표적인 예이다.[53] 고다르 감독의 영화 『작은 병정』(1961년)은 개념 미술의 타이포그래피적인 스타일에 큰 영향을 주었다.[54]
"개념 미술" 운동의 첫 번째 물결은 대략 1967년부터[22] 1978년까지 이어졌다. 헨리 플린트, 로버트 모리스, 레이 존슨과 같은 초기 "개념" 미술가들은 이후 널리 받아들여진 개념 미술 운동에 영향을 미쳤다. 댄 그레이엄, 한스 하케, 로렌스 위너와 같은 개념 미술가들은 후대 미술가들에게 큰 영향을 미쳤으며, 마이크 켈리나 트레이시 에민과 같은 현대 미술가들은 "2세대 또는 3세대" 개념 미술가 또는 "포스트 개념 미술" 미술가로 불리기도 한다.
현대 미술가들은 스스로를 "개념 미술가"라고 칭하든 그렇지 않든 개념 미술 운동의 많은 관심사를 이어받았다. 반상품화, 사회적 및/또는 정치적 비판, 아이디어/정보를 매체로 하는 것과 같은 아이디어는 설치 미술, 퍼포먼스 아트, 예술 개입, 넷 아트, 전자/디지털 아트를 다루는 미술가들 사이에서 현대 미술의 중요한 측면으로 남아 있다.[23]
2. 1. 서구 개념 미술의 기원과 전개
마르셀 뒤샹은 레디메이드 아트와 같은 개념적인 작품을 제시하여 개념 미술의 길을 닦았다. 뒤샹의 가장 유명한 레디메이드 아트 작품은 샘이다. 예술적 전통에서는 보통의 물건은 예술가가 만들었거나 예술이라는 의도로 창조되지 않았고, 유일하거나 수공으로 제작되지 않았기 때문에 미술로 보지 않는다. 뒤샹과 미래의 개념 미술에 대한 이론적인 중요성은 이후 미국의 예술가 조셉 코수스가 1969년에 쓴 수필 〈철학 다음의 예술〉("Art after Philosophy")에서 "미술은 오직 개념적으로만 존재하기 때문에 (뒤샹 다음의) 모든 미술은 개념적이다."라고 언급하면서 확인되었다.[8]1956년 레트리슴의 창시자 이자도르 이수는 현실에서 창조될 필요는 없으나 지적으로 숙고함으로써 미적인 보상을 제공할 수 있는 미술 작품의 개념을 고안하였다. 이 개념은 고트프리트 빌헬름 라이프니츠의, 개념적이지 않고는 실질적으로 존재할 수 없는 양인 무한소에서 파생되었다. 이주의 운동이 구체화된 엑스코디즘(Excoördism)은 무한하게 작고 무한하게 큰 예술로서 스스로를 규정한다.
1961년 예술가 헨리 플린트가 정의한 개념 미술(concept art)은 플럭서스의 전신인 출판물 《우연적 행위 선집》(''An Anthology of Chance Operations'')에 등장하였다.[9] 그러나 이 용어는 예술가의 사회적, 철학적, 심리학적 지위에 대한 비평적인 의문을 제기하며 전통적인 미술적 대상을 거부한 조셉 코수스와 아트 앤드 랭귀지 그룹이 적용했을 때와는 다른 의미를 갖게 되었다. 1970년대 중반 그들은 그들이 지지하는 것을 위하여 출판물, 색인, 공연, 텍스트, 그림을 제작하였다. 1970년, 최초의 개념 미술 전시회인 《컨셉츄얼 아트 앤드 컨셉츄얼 애스펙츠》(''Conceptual Art and Conceptual Aspects'')가 뉴욕 문화 센터에서 열렸다.[12]
3. 주요 특징
개념 미술은 1960년대에 클레멘트 그린버그로 대표되는 형식주의에 대한 반발과 예술의 상품화에 대한 반대라는 두 가지 주요 특징을 가지고 등장했다.
형식주의는 현대 미술이 각 매체의 본질적이고 형식적인 본질을 정의해야 한다고 주장했다.[13] 예를 들어 회화는 평평한 객체이므로 구상, 3차원 원근법 환영, 외부 주제 언급은 제거되어야 했다.[13] 그러나 개념 미술은 이러한 형식주의에서 벗어나, 예술의 "비물질화"를 추구했다.[14]
개념 미술은 또한 예술의 장소와 결정을 내리는 갤러리, 박물관, 그리고 소유와 배포를 담당하는 미술 시장의 상품화에 반발했다. 로렌스 와이너는 "내 작품에 대해 알게 되면 당신이 그것을 소유하게 되는 겁니다. 내가 누군가의 머릿속에 들어가서 그것을 제거할 방법은 없어요."라고 말했다.
이러한 주요 특징 외에도, 로렌스 위너, 에드워드 루샤[16], 조셉 코수스, 로버트 배리, 아트 & 랭귀지 등은 언어를 주요 수단으로 사용하여 예술 작품을 제작했다.[17]
3. 1. 아이디어와 개념의 중시
마르셀 뒤샹은 레디메이드와 같은 개념적인 작품을 제시하며 개념 미술의 길을 열었다. 뒤샹의 레디메이드 중 가장 유명한 작품은 1917년의 ''샘''으로, "R.Mutt"라는 가명으로 서명되어 뉴욕의 독립 예술가 협회 연례 비심사 전시회에 출품되었지만 거부당했다.[8] 예술 전통은 평범한 물건(예: 소변기)을 예술가가 만들거나 예술이 될 의도로 만든 것이 아니고, 독특하거나 수작업으로 제작되지 않았다는 이유로 예술로 보지 않는다. 뒤샹의 관련성과 미래의 "개념 미술가"에게 미치는 이론적 중요성은 1969년 미국 예술가 조지프 코수스가 그의 에세이 ''철학 이후의 예술(Art after Philosophy)''에서 "모든 예술(뒤샹 이후)은 본질적으로 개념적이다. 왜냐하면 예술은 개념적으로만 존재하기 때문이다"라고 언급하면서 나중에 인정받았다.1956년 레트리슴의 창시자 이자도르 이수는 현실에서 창조될 필요는 없으나 지적으로 숙고됨으로써 미적인 보상을 제공할 수 있는 예술 작품의 개념을 발전시켰다. 이 개념은 고트프리트 빌헬름 라이프니츠의 무한소에서 파생되었다.
1961년, 헨리 플린트는 플럭서스의 전신인 출판물 《우연적 행위 선집》에서 "개념 미술(concept art)"이라는 용어를 정의하였다.[9] 그러나 이 용어는 조지프 코수스와 아트 앤 랭귀지 그룹이 사용하면서 다른 의미를 갖게 되었다. 이들은 예술가의 사회적, 철학적, 심리적 지위에 대한 비판적 의문을 제기하며 전통적인 미술 대상을 거부했다. 1970년대 중반까지 그들은 출판물, 색인, 공연, 텍스트, 그림을 제작하였다. 1970년에는 최초의 개념 미술 전시회인 《컨셉츄얼 아트 앤드 컨셉츄얼 애스펙츠》가 뉴욕 문화 센터에서 열렸다.[12]
개념 미술에서는 아이디어 또는 컨셉이 가장 중요하다. 작가가 개념적인 예술 형식을 사용할 때, 모든 계획과 결정은 미리 이루어지고 제작 행위는 의미가 없다는 것을 의미한다. 솔 르윗이 『개념 미술에 대한 단락』에서 언급했듯이, 아이디어가 예술을 만드는 기계가 된다.[56]
3. 2. 탈물질화와 반상품화
마르셀 뒤샹은 레디메이드와 같은 작품을 통해 개념 미술가들에게 영감을 주었다. 특히 1917년 작품 ''샘''은 "R.Mutt"라는 가명으로 출품되었으나, 예술가가 직접 만들지 않았고 예술이 될 의도가 없었다는 이유로 전시가 거부되었다.[8] 1969년, 조셉 코수스는 ''철학 이후의 예술(Art after Philosophy)''에서 뒤샹 이후의 모든 예술은 개념적이라고 언급하며 뒤샹의 중요성을 인정했다.1956년 레트리슴 창시자 이자도르 이수는 현실에서 창조될 수 없지만 지적으로 숙고될 수 있는 예술 작품 개념(''아트 에스타페리스트(Art esthapériste)'')을 발전시켰다. 이는 고트프리트 빌헬름 라이프니츠의 무한소에서 파생되었으며, 현재 엑스-코디즘(Excoördism)으로 구현되어 무한히 크고 작은 예술을 추구한다.
개념 미술은 1960년대 형식주의에 대한 반발로 등장했다. 클레멘트 그린버그는 현대 미술이 각 매체의 형식적 본질을 정의해야 한다고 주장했지만,[13] 개념 미술은 이러한 관점에서 벗어나 예술의 "비물질화"를 추구했다.[14]
개념 미술은 또한 예술의 상품화에 반대하며, 갤러리, 박물관, 미술 시장을 전복하려 했다. 로렌스 와이너는 "내 작품에 대해 알게 되면 당신이 그것을 소유하게 되는 겁니다. 내가 누군가의 머릿속에 들어가서 그것을 제거할 방법은 없어요."라고 말했다. 많은 개념 미술가들의 작품은 사진, 텍스트 등으로만 알 수 있으며, 때로는 (로버트 배리, 오노 요코, 와이너) 서면 지침으로만 존재하여 아이디어를 강조한다. 이는 예술과 공예의 구분에서 "예술"을 선호하는 것으로, 예술이 역사적 담론 내에서 발생함을 보여준다.
솔 르윗은 『개념 미술에 대한 단락』(1967년)에서 "개념 미술에서는 아이디어 또는 컨셉이 가장 중요하다"고 언급하며, 계획과 결정이 미리 이루어지고 제작은 의미가 없다고 주장했다.[56]
아트 앤 랭귀지 그룹(조지프 코수스 포함)은 개념 미술을 엄격하게 재정의하며, 예술 작품 제작보다 예술에 대해 논하는 것을 중요시했다. 그들은 1970년 "개념 미술과 개념적 측면"전을 개최했다.
3. 3. 언어의 사용
1960년대와 1970년대 초, 로렌스 위너, 에드워드 루샤[16], 조셉 코수스, 로버트 배리, 아트 & 랭귀지와 같은 초기 개념 미술가들은 언어를 중심적인 관심사로 삼았다. 미술에서 텍스트 사용은 새로운 것이 아니었지만, 이들은 오로지 언어적 수단을 통해서만 예술을 제작하기 시작했다. 이전에는 언어가 다른 시각적 요소들과 함께 전체적인 구성에 종속된 하나의 시각적 요소로 제시되었지만(예: 종합적 입체주의), 개념 미술가들은 붓과 캔버스 대신 언어를 사용했고, 언어가 그 자체로 의미를 갖도록 했다.[17] 앤 로라이머는 로렌스 위너의 작품에 대해 "개별 작품의 주제적 내용은 오로지 사용된 언어의 의미에서 비롯되며, 제시 수단과 맥락적 배치는 중요하지만 별개의 역할을 한다"고 썼다.[18]영국의 철학자이자 개념 미술 이론가인 피터 오스본은 개념주의가 중심적인 역할을 하게 된 데에는 20세기 중반 영미 분석 철학과 구조주의, 탈구조주의 대륙 철학에서 의미에 대한 언어 이론으로의 전환이 큰 영향을 미쳤다고 주장한다. 이러한 언어적 전회는 개념 미술가들이 택한 방향을 "강화하고 정당화"했다.[19] 오스본은 또한 초기 개념주의자들이 미술 분야에서 학위 기반의 대학교 교육을 마친 최초의 세대였다고 지적한다.[20]
에드워드 A. 섕켄은 로이 애스코트의 사례를 통해 "개념 미술과 예술-기술 간의 중요한 교차점을 보여주며, 이러한 미술사적 범주의 전통적인 자율성을 폭발시켰다"고 말한다. 애스코트는 예술과 예술 교육에 사이버네틱스를 적용한 그의 에세이 "변화의 구성"(1964)이 루시 R. 리파드의 ''6년: 1966년부터 1972년까지의 미술 객체의 비물질화''의 헌정 페이지에 인용되었지만, 영국에서 개념 미술 형성에 대한 애스코트의 기여는 거의 인정받지 못했다. 또 다른 중요한 교차점은 애스코트가 1963년에 백과사전을 사용한 것에서 찾을 수 있는데, 이는 언어적 및 시각적 언어의 분류학적 특성 간의 명시적인 평행 관계를 그렸으며, 이는 조셉 코수스의 ''두 번째 조사, 명제 1''(1968)과 멜 램스덴의 ''불완전한 지도 요소''(1968)에서 채택될 개념이었다.
3. 4. 형식주의 비판
마르셀 뒤샹은 레디메이드 아트와 같은 개념적인 작품을 통해 개념 미술의 길을 열었다. 예술적 전통에서는 평범한 객체가 예술가에 의해 만들어지지 않았거나, 예술이라는 의도가 없거나, 유일하거나 수공이 아니기 때문에 미술로 보지 않는다. 그러나 뒤샹의 샘과 같은 작품은 이러한 전통에 도전했다. 뒤샹의 이론적인 중요성은 이후 미국의 예술가 조셉 코수스가 1969년에 쓴 〈철학 다음의 예술〉에서 "미술은 오직 개념적으로만 존재하기 때문에 (뒤샹 다음의) 모든 미술은 개념적이다."라고 언급하며 재조명되었다.[9]1961년, 철학자이자 예술가인 헨리 플린트는 초기 플럭서스 간행물인 ''우연적 행위 선집''에 실린 동명의 기사에서 "개념 미술"이라는 용어를 만들었다.[9] 플린트는 자신의 개념 미술이 "인지적 허무주의"라는 개념에서 발전했으며, 이는 논리적 역설을 통해 개념의 본질을 드러내는 것이라고 주장했다. 구문론과 논리학, 수학을 활용한 개념 미술은 수학과 당시의 예술 음악계에서 유행하던 형식주의 음악을 동시에 대체하려는 의도를 가지고 있었다.[10]
개념 미술은 1960년대에 하나의 운동으로 등장했는데, 이는 당시 영향력 있는 뉴욕의 미술 평론가 클레멘트 그린버그가 명확히 설명한 형식주의에 대한 반발이었다. 그린버그에 따르면 현대 미술은 각 매체의 본질적이고 형식적인 본질을 정의하는 것을 목표로 점진적인 축소와 정제의 과정을 따랐다. 예를 들어, 회화는 색채 안료가 칠해진 캔버스 표면을 가진 평평한 객체라는 본질을 가지고 있으므로, 구상, 3차원 원근법 환영, 외부 주제에 대한 언급 등은 모두 회화의 본질과 무관한 것으로 간주되어 제거되어야 했다.[13]
어떤 이들은 개념 미술이 객체에 대한 필요성을 완전히 제거함으로써 예술의 이러한 "비물질화"를 지속했다고 주장했지만,[14] 다른 많은 예술가들은 개념 미술을 그린버그의 형식주의적 모더니즘과 근본적인 결별로 보았다. 이후의 예술가들은 자기 비판적인 예술에 대한 선호와 환영에 대한 혐오감을 공유했다. 그러나 1960년대 말까지는 각 매체의 틀 안에서 예술을 지속하고 외부 주제를 배제해야 한다는 그린버그의 주장이 더 이상 설득력을 갖지 못한다는 것이 분명해졌다.[15]
개념 미술은 또한 예술의 상품화에 반발했다. 개념 미술은 예술의 장소이자 결정 요인으로서의 갤러리나 박물관, 그리고 예술의 소유자이자 배포자로서의 미술 시장을 전복하려 했다. 로렌스 와이너는 "내 작품에 대해 알게 되면 당신이 그것을 소유하게 되는 겁니다. 내가 누군가의 머릿속에 들어가서 그것을 제거할 방법은 없어요."라고 말했다.[56]
4. 주요 작가 및 작품
마르셀 뒤샹은 레디메이드와 같은 개념적인 작품을 선보이며 개념 미술의 길을 열었다. 뒤샹의 가장 유명한 레디메이드 작품은 샘이다.[8] 조셉 코수스는 1969년 자신의 에세이 《철학 이후의 예술》에서 "모든 예술(뒤샹 이후)은 본질적으로 개념적이다. 왜냐하면 예술은 개념적으로만 존재하기 때문이다"라고 언급하며 뒤샹의 중요성을 강조했다.
1956년 레트리슴의 창시자 이자도르 이수는 현실에서 창조될 필요는 없으나 지적으로 숙고됨으로써 미적인 보상을 제공할 수 있는 미술 작품의 개념을 고안하였다. 이는 고트프리트 빌헬름 라이프니츠의 무한소 개념에서 파생되었다.
1961년 헨리 플린트는 플럭서스의 전신인 출판물 《우연적 행위 선집》에서 "개념 미술"이라는 용어를 처음 사용했다.[9] 그러나 이 용어는 조셉 코수스와 아트 앤 랭귀지 그룹이 사용하면서 다른 의미를 갖게 되었다. 이들은 예술가의 사회적, 철학적, 심리적 지위에 대한 비판적 탐구를 선호하며 기존의 예술 작품을 거부했다. 1970년에는 최초의 개념 미술 전시회인 《컨셉츄얼 아트 앤드 컨셉츄얼 애스펙츠》가 뉴욕 문화 센터에서 개최되었다.[12]
개념 미술은 1960년대 형식주의에 대한 반발, 예술의 상품화에 대한 반발로 등장했다. 로렌스 와이너는 "내 작품에 대해 알게 되면 당신이 그것을 소유하게 되는 겁니다. 내가 누군가의 머릿속에 들어가서 그것을 제거할 방법은 없어요."라고 말하며, 작품보다 아이디어를 중요하게 생각했다.
언어는 초기 개념 미술가들에게 중심적인 관심사였다. 로렌스 위너, 에드워드 루샤,[16] 조셉 코수스, 로버트 배리, 아트 & 랭귀지는 언어를 사용하여 예술을 제작했다.
피터 오스본은 개념주의가 중심이 된 것은 20세기 중반 영미 분석 철학과 구조주의, 탈구조주의 대륙 철학에서 의미에 대한 언어 이론으로의 전환이 영향을 미쳤다고 주장한다.
; 주요 작가 및 작품
| 작가 | 작품 및 활동 |
|---|---|
| 마르셀 뒤샹 | 샘(1917), 자전거 바퀴(1913), 병 걸이(1914), 부러진 팔을 예상하며(1915), L.H.O.O.Q.(1919) 등 |
| 이자도르 이수 | 아트 에스타페리스트(Art esthapériste) 개념 고안 (1956) |
| 헨리 플린트 | "개념 미술" 용어 정의 (1961) |
| 조지 브레히트 | 워터 얌(1963) 출판 |
| 오노 요코 | 자몽: 지침과 그림 책(1964) 출판 |
| 아트 & 랭귀지 | 1968년 설립, 아트-랭귀지(1969) 창간 |
| 조셉 코수스 | 하나와 세 개의 의자(1965) |
| 로렌스 위너 | "의도의 선언"(1968) 발표 |
| 존 케이지 | 4′33″(1952) 초연 |
| 로버트 라우센버그 | 지워진 데 쿠닝 드로잉(1953) |
| 피에로 만초니 | 예술가의 똥(1961) |
| 이브 클랭 | 무형의 회화적 민감성 발표 (1962) |
| 마이클 크레이그-마틴 | 오크 나무(1973) |
4. 1. 서구
마르셀 뒤샹은 레디메이드와 같은 개념적인 작품의 예를 제시하며 개념 미술의 길을 열었다. 뒤샹의 가장 유명한 레디메이드 작품은 샘이다.[8] 일반적인 예술적 전통에서는 평범한 물건(예: 소변기)은 예술가가 만들거나 예술이 될 의도로 만들어진 것이 아니고, 독특하거나 수작업으로 제작되지 않았기 때문에 미술로 보지 않는다. 뒤샹의 관련성과 미래의 "개념 미술가"에게 미치는 이론적 중요성은 미국의 예술가 조셉 코수스가 1969년에 쓴 에세이 《철학 이후의 예술》(Art after Philosophy)에서 "모든 예술(뒤샹 이후)은 본질적으로 개념적이다. 왜냐하면 예술은 개념적으로만 존재하기 때문이다"라고 언급하면서 나중에 인정받았다.1956년 레트리슴의 창시자 이자도르 이수는 현실에서 창조될 필요는 없으나 지적으로 숙고됨으로써 미적인 보상을 제공할 수 있는 미술 작품의 개념을 고안하였다. 이 개념은 고트프리트 빌헬름 라이프니츠의 무한소에서 파생되었는데, 이는 개념적이지 않고는 실질적으로 존재할 수 없는 양이다. 이주의 운동이 구체화된 Excoördism(엑스-코디즘)은 무한하게 작고 무한하게 큰 예술로서 스스로를 규정한다.
1961년 예술가 헨리 플린트가 정의한 개념 미술(concept art)은 플럭서스의 전신인 출판물 《우연적 행위 선집》(''An Anthology of Chance Operations'')에서 등장하였다.[9] 그러나 조셉 코수스와 아트 앤 랭귀지 그룹이 적용했을 때와는 다른 의미를 갖게 되었는데, 이들은 예술가의 사회적, 철학적, 심리학적 지위에 대한 비평적인 의문을 지지하며 전통적인 미술적 대상을 거부하였다. 1970년대 중반 그들은 그들이 지지하는 것을 위하여 출판물과 색인, 공연, 텍스트, 그림을 생산하였다. 1970년에는 첫 번째 개념 미술 전시회인 《컨셉츄얼 아트 앤드 컨셉츄얼 애스펙츠》(''Conceptual Art and Conceptual Aspects'')가 뉴욕 문화 센터에서 열렸다.[12]
4. 2. 한국
주어진 원본 소스에는 '한국' 섹션에 해당하는 내용이 없으므로, 해당 섹션은 비워두는 것이 적절하다. 따라서 이전 출력과 동일하게 유지한다.5. 논란 및 비판
미학자 진중권은 조영남이 조수에게 일정한 대가를 주고 자신의 아이디어를 회화로 그리도록 지시한 행위는 개념 미술에 해당된다고 주장하였다.[58]
개념 미술은 미니멀 아트 다음의 예술로서, CIA의 지원 대상이 된 장르였다.[55] 최종적으로 조지프 코수스가 주도적인 위치를 차지했지만, 그에 이르기까지 우여곡절이 있었다. 처음에는 로렌스 와이너, 로버트 배리 (예술가)|로버트 배리영어, 더글러스 휴블러가 주목받았지만, 솔 르윗이 『개념 미술에 대한 단락』(''아트 포럼''지, 1967년 여름호)이라는 에세이를 발표하면서, 이것이 "개념 미술 선언"으로 자리매김되었다.[56] 자주 인용되는 구절은 다음과 같다.
> 개념 미술에서는 아이디어 또는 컨셉이 가장 중요하다. 작가가 개념적인 예술 형식을 사용할 때, 이는 모든 계획과 결정이 미리 이루어져 있고, 제작 행위에는 의미가 없다는 것을 의미한다. 아이디어가 예술을 만드는 기계가 된다.
문서에 의한 지시만으로 작품을 만드는 것이 순수한 개념 미술이다. "작품의 구체화의 부정"은 화랑, 미술관, 미술상 등에 의한 특권적인 예술의 점유를 뒤엎으려는 급진적인 의도를 품고 있다. 로렌스 와이너는 "내 작품은 한 번 보면 그 사람의 것이다. 머릿속에 들어가서 제거할 수는 없다"라고 말했다. 이 때문에 조나단 보로프스키의 "1부터 무한대까지 세기"가 그 전형적인 예로 여겨질 것이다.
가장 늦게 등장한 "아트 앤 랭귀지" 그룹(조지프 코수스도 참가)은 개념 미술을 엄격하게 재정의했다. 그전까지의 대부분의 예술 작품(개념 미술 포함)은 예술가의 사회적·철학적·심리적 기반을 도해한 것에 불과하다며 깎아내리고, 그 생각 아래 출판물, 목록, 문서, 회화를 제작했다. 그들에게는 예술 작품의 제작보다 예술에 대해 논하는 것이 더 중요했다. 그들은 최초의 개념 미술 전시회라고 칭하며, 1970년에 "개념 미술과 개념적 측면"전(뉴욕 문화 센터)을 개최했다.
6. 영향
마네와 마르셀 뒤샹 등 모더니즘의 부상에서 개념 미술의 뿌리를 찾을 수 있다. 1967년부터 1978년까지 이어진 개념 미술 운동의 첫 물결은 헨리 플린트, 로버트 모리스, 레이 존슨과 같은 초기 "개념" 미술가들의 영향을 받았다.[22] 댄 그레이엄, 한스 하케, 로렌스 위너와 같은 개념 미술가들은 후대 미술가들에게 큰 영향을 미쳤으며, 마이크 켈리나 트레이시 에민 같은 현대 미술가들은 "2세대 또는 3세대" 개념 미술가 또는 "포스트 개념 미술" 미술가로 불리기도 한다.
현대 미술가들은 반상품화, 사회적/정치적 비판, 아이디어/정보를 매체로 활용하는 등 개념 미술의 여러 관심사를 이어받았다. 이러한 아이디어는 설치 미술, 퍼포먼스 아트, 예술 개입, 넷 아트, 전자/디지털 아트 분야에서 특히 중요한 측면으로 남아 있다.[23]
개념 미술은 미니멀 아트 다음의 예술로서, CIA의 지원 대상이기도 했다.[55] 솔 르윗은 『개념 미술에 대한 단락』(『아트 포럼』지, 1967년 여름호)에서 다음과 같이 개념 미술을 정의했다.[56]
- 개념 미술에서는 아이디어 또는 컨셉이 가장 중요하다. 작가가 개념적인 예술 형식을 사용할 때, 모든 계획과 결정은 미리 이루어지며 제작 행위는 의미가 없다. 아이디어가 예술을 만드는 기계가 된다.
로렌스 와이너는 "내 작품은 한 번 보면 그 사람의 것이다. 머릿속에 들어가서 제거할 수는 없다"라고 말하며, 작품의 구체화보다 아이디어를 중시하는 개념 미술의 특징을 강조했다. 조나단 보로프스키의 "1부터 무한대까지 세기"는 이러한 예시로 여겨진다.
아트 앤 랭귀지 그룹은 개념 미술을 엄격하게 재정의하며, 예술 작품의 제작보다 예술에 대해 논하는 것을 더 중요하게 여겼다. 그들은 1970년에 최초의 개념 미술 전시회라고 칭하는 "개념 미술과 개념적 측면"전(뉴욕 문화 센터)을 개최했다.
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